Die schönste Episode von Love, Death and Robots war „ein Liebesbrief an Moebius“

Band 3 von Liebe, Tod und Roboter deckt viel ab: eindringliche außerirdische Landschaften, erschreckend realistische Seeungeheuer, niedliche Zombie-Apokalypsen. Aber dennoch sticht eine Episode besonders hervor: „The Very Pulse of the Machine“. Es ist ein wunderschöner, einsamer animierter Kurzfilm über eine Astronautin namens Martha (Mackenzie Davis), die auf Io, einem desolaten Jupitermond, gefangen ist, während sie möglicherweise auch mit dem Mond kommuniziert – oder vielleicht halluziniert sie nur. Es basiert auf eine gleichnamige Kurzgeschichte von Michael Swanwick und verfügt über einen Kunststil, der eindeutig vom verstorbenen französischen Künstler Jean „Moebius“ Giraud inspiriert ist.

Nach der Premiere der neuen Staffel hatte ich die Gelegenheit, mit Emily Dean, der Regisseurin der Folge, darüber zu sprechen, wie die Bilder entstanden sind, die Herausforderungen bei der Adaption der Kurzgeschichte und warum sie mit Motorradklamotten am Strand spazieren ging. Ebenfalls, Spoilerwarnung: Wir besprechen das Ende der Episode und was es letztendlich bedeutet.

Dieses Interview wurde aus Gründen der Übersichtlichkeit leicht bearbeitet.

Was war Ihr erster Kontakt mit dieser Kurzgeschichte? Wussten Sie vorher davon?

Ich wurde von Blur Studio eingeladen, um ein paar Kurzgeschichten zu lesen, die sie für Band zwei in Betracht ziehen. Ich habe viele davon gelesen und bin bei „The Very Pulse of the Machine“ gelandet. Und ich habe mich von Anfang an in die Geschichte verliebt.

Was war daran besonders hervorstechend? Gab es etwas, von dem Sie dachten, dass es für eine Adaption wie diese besonders gut funktionieren würde?

Ich war wirklich fasziniert von dem psychologischen Element der Geschichte und der Vorstellung, dass diese weibliche Astronautin auf diesem Mond gestrandet ist und versucht zu überleben. Und ich mochte die weibliche Sichtweise wirklich, aber ich liebte auch dieses Gespräch, das diese Figur mit dieser unbekannten Entität während der gesamten Geschichte führte. Und ich fand das sehr existentiell – nicht nur wegen der körperlichen Natur des Versuchs, auf einem trostlosen Mond zu überleben, sondern, wissen Sie, im Gespräch mit etwas, das größer ist als man selbst. Das fand ich sehr interessant.

Es scheint, als wäre einiges davon schwer in Animation zu übersetzen. In der Kurzgeschichte gibt es viele interne Dialoge. Wie sind Sie vorgegangen, um dieses psychologische Element in einem visuellen Medium wie diesem rüberzubringen?

Michael Swanwick, der Autor der Kurzgeschichte, hat also eingeräumt, dass es sehr schwierig war, diese Geschichte für einen Film zu adaptieren. Und großes Lob gebührt Philip Glass, dem Drehbuchautor, der das Drehbuch für diese Kurzgeschichte geschrieben hat. Denn in der Kurzgeschichte hat die Figur eher eine Innerlichkeit, und das ist beim Filmemachen sehr schwierig in einer Art Third-Person-Manier darzustellen, weil man außerhalb der Figur ist und zusieht, wie die Figur diese Kämpfe durchmacht . Das war also eine große Herausforderung. Wir mussten tatsächlich einen Großteil des Dialogs, des Geschwätzes usw. reduzieren und viele der inneren Emotionen, die Martha empfand, nach außen tragen. Und vieles davon kam von der Leistung von Mackenzie Davis und davon, dass sie wirklich viel in diese Gesangsarbeit gesteckt hat – und auch in der Animation der Figur, die selbst in dieser Umgebung kämpft, und in der tatsächlichen Erhöhung des Einsatzes der Umwelt und der Erschaffung der Welt fühle mich sehr gefährlich.

Ich vermute, du hast es gesehen den Blogbeitrag, den Michael geschrieben hat lobt diese Anpassung. Wie hat sich das angefühlt? Er schien wirklich begeistert zu sein von dem, was ihr getan habt.

Es war eine große Ehre, ehrlich gesagt, und eine schöne Überraschung.

Bild: Netflix

Um auf das zurückzukommen, worüber Sie mit den Gesangsdarbietungen gesprochen haben, wie haben Sie entschieden, wie die Io-Entität klingen soll? In meinem Kopf war die Stimme viel weniger menschlich und kryptischer.

In der Animation, in der Storyboarding-Phase, wenn wir die Animation zusammenstellen, machen wir sogenannte Scratch-Vocals, bei denen wir verschiedene Lesarten testen können. Und anfangs hatten wir durchweg diese sehr roboterhaft monotone Stimme. Aber wir fanden es sehr bremsend und hatten das Gefühl, die Poesie, die Bewegung und den Rhythmus der ganzen Geschichte nicht rüberzubringen. Also gingen wir schließlich mit [Holly Jade] und sie war absolut fantastisch.

Wie haben Sie sich für den visuellen Stil entschieden? Ich habe das Gefühl, dass es im Gegensatz zu Moebius, das sehr poppig und hell ist, eine Art dunklerer, trostloserer visueller Stil hätte werden können.

Mein persönlicher Stil ist sehr von Moebius beeinflusst und ich liebe Farbe. Aber von meinem allerersten Pitch an kam ich herein und sagte: „Ich würde gerne einen Liebesbrief an Moebius schreiben.“ Und ich hatte das Gefühl, nicht dass er gerade ein unbesungener Held der Science-Fiction ist, aber ich fühlte das mit Liebe, Tod und Roboter — wegen seiner Verbindung mit Schwermetall Zeitschrift – es war ein geeigneter Ort, um seinen Stil auf der Leinwand auszuprobieren, was ich seit langem nicht mehr wirklich gesehen hatte. Von meinem allerersten Pitch an kam ich mit vielen Kunstwerken herein, die zu Moebius zurückwinkten. Und ich sagte: „Ich glaube an diese Geschichte wegen ihrer psychologischen Elemente, wegen ihrer Kommunikation mit der Außenwelt“, was irgendwie thematisch für Moebius und seine Arbeit ist, besonders für seine 40 Tage in der Wüste. Es eignete sich wirklich gut für diesen psychedelischen visuellen Stil.

Wie war es, sich einige dieser halluzinogenen Szenen auszudenken?

Es gab viel Brainstorming. In meinem ersten Durchgang habe ich mich ziemlich genau an Michael Swanwicks Geschichte gehalten, und wir fanden, dass sie sehr lang wurde. Und zweitens wollten wir einige der Elemente ein wenig mehr herausfordern, um die Essenz der Geschichte einzufangen, mehr als eine wörtliche Übersetzung. In den darauffolgenden Durchgängen ging ich also in den Schnittplatz, schloss die Tür und zeichnete einfach; Musik an und zeichne einfach das Gefühl auf, das ich aus der Geschichte, aus dem Drehbuch bekommen habe, und trage es in Storyboards ein. Es gab viele verrückte Ideen, wie riesige Astronauten, die herumlaufen. Und diese Ideen wurden schließlich reduziert, und man sieht ein bisschen davon in den halluzinatorischen Sequenzen.

Aber für mich wollte ich dieses Unterwassergefühl unbedingt einfangen. Weil ich, als ich in Australien aufgewachsen bin, immer schwimmen gegangen bin und immer erstaunt war, wie viel Leben es unter Wasser gibt und wie man sich in einer anderen Welt befindet und wie man eine Oberflächenschicht zur Welt und dann eine Untergrundschicht hat Schicht. Und diese ganze Geschichte drehte sich für mich darum, dass die Dinge nicht so sind, wie man sie an der Oberfläche sieht. Es könnte ein trostloser Mond sein, aber unten gibt es blühendes Leben.

Erinnern Sie sich an Ideen, die etwas zu ausgefallen waren, um es in das Endprodukt zu schaffen?

Es gab einige technologische Einschränkungen. An einem Punkt stellte ich mir vor, wie Martha vollständig schmolz, ihr Körper schmolz einfach auf diese psychedelische Art und Weise. Und sie ging weiter, als kleine Klümpchen herabfielen und von ihrem Körper schwebten. Und das erwies sich als sehr schwierig. Aber wir hatten auch das Gefühl, dass wir uns kreativ wahrscheinlich ein wenig von der Geschichte entfernen.

Bild: Netflix

Daran haben Sie mit Polygon gearbeitet. Gab es besondere Herausforderungen bei der Umsetzung des Moebius-Stils in 3D?

Also Polygon Pictures in Japan, sie sind fantastisch. Und ich gebe ihnen unglaublich viel Lob für all ihre harte Arbeit. Aber sie haben einen Anime-Hintergrund, und so mussten wir, um diesen ganz anderen Stil einzubringen, der sehr französisch ist, tatsächlich mit einigen französischen Künstlern zusammenarbeiten, um zunächst Konzeptkunst zu machen, nur um den Unterschied in der Sensibilität zu demonstrieren . Aus gestalterischer Sicht gab es so eine Art Training für das Studioteam in diesem neuen Look, was wirklich bedeutete, zurück zu den Grundlagen der Kunst zu gehen, was wirklich Spaß gemacht hat, weil ich früher Vertretungsunterricht gemacht habe. Also das hat mir irgendwie Spaß gemacht.

Und das war auf der technologischen Seite auch sehr schwierig. Ich glaube, dass Polygon eine ganze Reihe neuer Tools in seiner Software erstellen und seine Pipeline in vielerlei Hinsicht neu konfigurieren musste, um dieses Projekt zu bewältigen. Um ein wenig zurückzugehen, ich habe dieses Projekt im Sommer 2019 zum ersten Mal mit der Idee geworben, dass dieses Stück Teil von Band zwei sein würde. Aber wegen der Pandemie und auch wegen der technologischen Schwierigkeit dieses Stücks wurde es auf Band drei verschoben. Und so gab es viel Hin und Her, zum Beispiel, wo jede Linie auf Marthas Gesicht sein sollte, und die Linienstärke von allem, denn es ist sehr einfach, wenn man so viele Linien im Hintergrund und auf der Figur hat, die man verliert Fokus oder damit die Visuals sehr beschäftigt werden. Und dann den Charakter mit der Umgebung integrieren.

Auch Farbe war ein großes Thema für uns. Und ich bin sehr stolz auf die Farbarbeit, die an diesem Stück geleistet wurde. Fester Schwefel ist gelb, und wenn er geschmolzen ist, leuchtet er in dieser schillernden blauen Farbe. Und so haben wir das als Vorlage für unser gesamtes Farbskript verwendet. Und die gesamte Reise der Geschichte durch Farbe ist diese Art von Mittag- bis Nacht-Farbpalette, die ich machen wollte, weil ich zeigen wollte, wie man es, wenn man es aus einer anderen Perspektive betrachtet, ganz anders sieht. Was wie ein trostloser, schwefelhaltiger Mond aussieht, ist tatsächlich voller Leben.

Gab es neben dem Ausbügeln dieser technischen und künstlerischen Details noch andere Möglichkeiten, wie Sie diese zusätzliche Zeit genutzt haben?

Ich sollte nach Japan gehen, um mit dem Team von Polygon zu arbeiten, aber Reisen würden offensichtlich nicht stattfinden. Und die Animatoren brauchten Referenzen dafür, wie sich ein Astronaut im Weltraum durch eine Wüste bewegen würde. Also zog ich einen Motorradhelm und eine Motorradausrüstung an und holte ein Gewicht und Gurte und ging zum Strand von Santa Monica und filmte mich dabei, wie ich, was der Standard für eine Leiche wäre, am Strand herumschleppte, umfiel und mein eigenes Tun machte einfache Stuntarbeit, die viel Spaß gemacht hat. Aber es sollte das Gewicht des Körpers zeigen, wie der Körper müde wird, wenn er ein schweres Gewicht über eine sandige Oberfläche schleppt. Wir hatten auch Gespräche darüber, dass die Schwerkraft auf Io anders ist als auf der Erde. Aber wir wollten etwas Glaubwürdiges haben. Also haben wir uns für etwas entschieden, das der Schwerkraft der Erde ein bisschen näher kommt.

In beiden Versionen der Geschichte ist das Ende ziemlich zweideutig und dem Leser oder Zuschauer überlassen. Hast du eine Meinung darüber, was mit Martha passiert ist?

Ich habe mich entschieden, das Ende etwas weiter zu führen als Michael in seiner Kurzgeschichte. In der Kurzgeschichte springt und fliegt sie, und das ist alles, was wir wissen. Ich wollte jedoch die Befriedigung sehen, was unter dieser Lava und was unter der Oberfläche war – oder zumindest darauf hinweisen. Und so folgen wir Martha auf ihrem Weg in die Tiefe. Und meiner Meinung nach verschmilzt sie mit Io. Die Frage, auf die ich mich nicht wirklich konzentrierte, war, ob sie mit Io fusioniert. Aber vor allem, wenn sie mit Io verschmilzt, ist sie immer noch Martha? Das wollte ich dem Publikum überlassen.

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